martes, 21 de diciembre de 2010

Dónde las calles no tienen nombre...

Hace unos mese se anunció una nueva visita de U2 a México, la cual se llevará a cabo en mayo de 2011, y para la ocasión decidimos recordar el disco que hace 23 años llevó a estos irlandeses a convertirse en el fenómeno musical y cultural que son hasta nuestros días: The Joshua Tree.
The Joshua Tree es el quinto disco de estudio de esta banda de rock  formada por Larry Mullen, Bono, The Edge y Adam Clayton. Fue lanzado en marzo de 1987, y hasta la fecha ha vendido más de 28 millones de copias en todo el mundo. En 2003 la revista Rolling Stone, lo situó en el lugar 26, entre los mejores 500 discos de todos los tiempos.
El tema central del disco es el estilo de vida, la música y la literatura americana, así como experiencias previas de la banda  durante sus giras por Estados Unidos. El álbum fue aclamado igual por críticos que por fans y pasó el status de la banda de simples mortales a semidioses.
Aunque las 11 canciones que componen el disco son imprescindibles, hay tres que destacan por su frescura, inventiva y belleza: “Where the streets have no name”, la letra está inspirada en una historia discriminatoria que la banda escuchó acerca de las calles de Belfast, Irlanda del Norte, donde se decía que era muy fácil reconocer la religión de una persona con tan sólo saber su ingreso económico y ver la calle donde vivía; I still haven’t found what I’m looking for”, es la canción más gringa del disco, ya que cuenta con claras influencias de la música gospel americana, y la voz suena en un registro muy alto mientras la letra nos lleva por esa eterna búsqueda de sentido espiritual; y por último “With or without you”, que es sin duda una de las canciones más famosas de U2, y nos narra los conflictos existenciales de Bono, al tener que dividir su vida como músico de rock y su rol como padre de familia y pareja.

Las fotos incluidas en la portada y el booklet del disco fueron tomadas en el Parque Nacional Joshua Tree, situado en el Desierto de Mojave, California.
Para concluir podemos decir que hay un antes y un después para U2 con este disco, y simplemente las cosas nunca volvieron a ser igual para ellos, para bien o para mal.


viernes, 17 de diciembre de 2010

ElectroRock pt.1




De verdad no puedo entender como hay gente que solo escucha un género musical, para mí es como vivir sin los dedos de una mano. En lo personal consumo de todo tipo de música, mi colección abarca desde Bessie Smith, Charlie Patton, Chuck Berry, Bill Haley, Jay Z y hasta The Beatles, Led Zeppelin, Pink Floyd, The Doors, pasando por Chava Flores, La Sonora Santanera, Juan García Esquivel, Beastie Boys, Joaquin Sabina, Pedro Infante, Roxy Music, Black Sabbath, Nirvana, Fiona Apple y Molotov. De igual forma tengo un gusto especial por el rock electrónico.

En la segunda mitad de los 90's el rock electrónico (a mi entender muy diferente a la música electrónica) cobró un protagonismo bárbaro en todo el mundo; a diferencia de otros movimientos, no tuvo una cuna fija (como el grunge en Seattle, la onda psicodélica en San Francisco, la bachata en República Dominicana, el reggaetón en Puelto Lico o el pasito duranguense en....¡Durango!, jajajaja.), pero si podemos decir que en el Reino Unido y en Estados Unidos se concretaron los proyectos más interesantes. A continuación dos de mis favoritos sin orden de importancia.

Underworld es un dúo originario de Inglaterra conformado por Karl Hyde y Rick Smith, aunque un tiempo fueron un trío con la participación de Darren Emerson. A pesar de estar haciendo música desde los 80's, la vida de estos ingleses cambió en 1996, cuando lanzaron su segundo álbum Second Toughest In The Infants y dos de los tracks aparecieron en el Soundtrack de Trainspotting; el tema Born Slippy NUXX abanderó el film de Danny Boyle y de paso catapultó la carrera de Underworld. La mezcla de tecno, house, rock, pop y drum and bass han fascinado al mundo desde entonces, y le siguieron discos como Beaucoup Fish de 1998, A Houndred Days Off de 2002, Oblivion With Bells de 2007 y Barking de este 2010.




Los Chemical Brothers son otra banda que ha liderado este movimiento de electrorock; Ed Simmons y Tom Rowlands, londinenses de nacimiento, han sabido cuajar con resultados excelentes un sonido potente que los hace únicos, mezclando sus gustos musicales que van de Public Enemy y The Smiths hasta  New Order y Krafywerk con beats y samples maravillosos. Haciéndose llamar en un principio The Dust Brothers, se ganaron buena fama al ser residentes de un pequeño pero muy afamado club en Londres, Heavenly Sunday Social Club, el cual era frecuentado por integrantes de Oasis, Blur, Manic Street Preachers y otras bandas. Después de lanzar varios sencillos como los Dust Brothers, deciden cambiar el nombre a Chemical para la salida de su primer álbum Exit Planet Dust en julio de 1995. El disco vende un millón de copias solo en el Reino Unido y convierte a los Chemicals en súper estrellas de las tornamesas; artistas como Prodigy, The Stone Roses y The Verve hacen fila para que este dúo les produzca algún remix. Noel Gallagher como rey omnipotente por esos días habla con Ed y Tom, y les pide colaborar con ellos, el resultado sería el primer #1 de los Chems en las listas, Setting Sun.

Los éxitos continúan y en 1997 llega Dig Your Own Hole con Block Rockin' Beats como punta de lanza y no hacen otra cosa más que poner a bailar al mundo entero; más cerca del house que del hip hop, el álbum es un suceso comercial y en criticas. En el '99 regresan con una nueva placa Surrender, y con himnos como Let Forever Be (otra vez con Noel Gallagher), Hey Boy Hey Girl y Out of Control (con todo y video hecho en México); en este disco participan además de Noel, Hope Sandoval de Mazzy Star y Bernard Sumner de New Order. Ya en el nuevo siglo lanzan Come With Us, Push The Button, We Are The Night y Further.





Después continuare con otros grupos seminales de este movimiento como Orbital, The Orb, Goldie, Daft Punk, etc. Mientras les dejo dos enlaces para bajar música de Underworld y Chemical Brothers.






jueves, 16 de diciembre de 2010

Como un arcoiris en la oscuridad

Corre el año de 1975, Deep Purple, banda pionera del heavy metal y el hard rock sufre un nuevo cambio de alineación, y esta vez la pérdida parece irreparable; Ritchie Blackmore, alma, motor y principal artífice del sonido de la banda inglesa decide abandonar a sus compañeros; lo reemplaza Tommy Bolin, y Deep Purple continua, pero esa es otra historia.

Mientras tanto el Sr. Blackmore ya tiene en mente su siguiente jugada musical, y para ello convoca a una banda ya existente llamada ELF, que había conocido en los Musicland Studios de Munich un año antes cuando registraba Stormbringer, la última placa con Deep Purple. Bueno, llamó a todos menos al guitarrista (razones obvias), y se pusieron a trabajar en el primer disco del proyecto denominado Ritchie Blackmore's Rainbow; el álbum sale a mediados de año, y a pesar de tener buen recibimiento, Blackmore da de baja a todos los integrantes menos al cantante, un tal Ronald James Padavona, mejor conocido como Ronnie James Dio, con quien comparte una gran afinidad musical y el gusto por la magia y el ocultismo.

A la dupla Blackmore-Dio se les une Cozy Powell, antiguo miembro de la banda de Jeff Beck, en la batería, así como Jimmy Bain en el bajo y Tony Carey en los teclados. La banda cambia de nombre por el de Rainbow simplemente y de esta manera da comienzo la etapa más productiva de la banda.

La nueva producción, Rising,  sale en 1976 y a pesar de no tener ningún sencillo comercial, tiene muy buenas ventas y en la actualidad es considerado  un clásico del heavy metal. El disco incluye la épica Stargazer, una canción fundamental en la historia del género, y da inicio a una larga lista de composiciones basadas en calabozos y dragones, tan características en la carrera de Ronnie James Dio.



Un año más tarde es lanzado On Stage, un disco doble en vivo que marca de manera brillante el fin de la formación clásica de Rainbow. El disco incluye versiones extendidas de los éxitos de la banda donde dan rienda suelta a todo su virtuosismo y elegancia, marcando la pauta para un subgénero que se acuñaría como tal unos 15 años después: el heavy metal progresivo.

La inestabilidad de integrantes continua en la banda y en 1978 Dio le da las gracias a Blackmore para enrolarse con otra banda que necesitaba de un vocalista urgente, un tal Black Sabbath, pero esa también es otra historia.

Por el momento les dejo el link para disfruten de On Stage, y sean testigos de cómo un quinteto de músicos de rock convierten el ruido en arte.




miércoles, 15 de diciembre de 2010

2010: Un año nos vigila



Estamos a punto de terminar el último año de la primera década del siglo XXI, así es jovencitos, las décadas como cualquier numeración comienza en el 1 no en el 0, ¿que es lo que más vamos a recordar en unos años de este tumultuoso 2010?
¿La profunda crisis económica mundial?
¿Los desastres naturales tipo Haití?
¿Wikileaks?
¿España erigiéndose como campeón mundial de futbol?
¿Las redes sociales reventando los paradigmas?
¿El rescate de los mineros en Chile?
¿El "Chicharito" Hernández como nuevo prócer nacional?
¿El 30 aniversario del asesinato de John Lennon?
¿El dueto de Arjona y Paquita la del Barrio?

Bueno, cada quien tendrá su favorito y es muy respetable, pero yo hoy les quiero platicar de lo que musicalmente ha sido lo más relevante para mí en el año.

Se trata de un proyecto llamado The Record Club, el cual es dirigido por Beck y dónde también participan grandes artistas como Feist, Nigel Godrich (productor de cabecera de Radiohead), Will Berman y Ben Goldwasser de MGMT, Devendra Banhart, Andrew Stockdale de Wolfmother, Thurston Moore de Sonic Youth, etc. El chiste de este proyecto es el de juntarse a coverear un disco completo de otro artista, y hacerlo solo en un día sin ensayos previos ni nada, y cada semana desde el sitio http://www.beck.com/, regalan un tema del disco hasta completar el álbum completo.

Desde julio han rehecho 4 discos, y cabe mencionar que son completamente disímbolos entre sí; el primero fue esa gran obra maestra de 1967 llamada "The Velvet Undergroung & Nico", un disco que marcó a toda una generación y que provocó que los adolecentes de la época tomaran sus instrumentos y formaran una banda de rock. The Velvet Underground fue una banda apadrinada en sus inicios por Andy Warhol y que tuvieron como headquarters las instalaciones de la mítica The Factory, el taller del artista pop, el cual por cierto obligo a la banda a que incluyeran a Nico (su musa por aquellos años) como voz en algunos temas del disco. The Record Club hace un gran trabajo con el disco quitando un poco el estruendo de las guitarras de Lou Reed y llevándolo a terrenos de más introspección.

El segundo disco que trabajaron fue "The Songs of Leonard Cohen" de 1967 también, y que fue el debut de este impresionante artista canadiense, poseedor de una de las voces más cachondas y reconocibles de la música. Cohen decidió musicalizar sus poemas influenciado por Bob Dylan y sobre todo por la avanzada folk canadiense liderada por Joni Mitchell y Neil Young, y el resultado fue una delicia. Aquí el trabajo de El Club del Disco también es muy favorable, ya que al no poseer (ni de broma) la inigualable voz de Leonard Cohen, realizan un trabajo excelso en la instrumentación y sonorización de los poemas.

La tercera obra covereada por estos muchachos fue "Oar" de Skip Spence, un artista torturado y enfermo mentalmente por el consumo excesivo de LSD , el cual hizo este disco desde el Hospital Psiquiátrico Bellevue en Manhattan en 1969. En esta obra The Record Club se sienten como peces en el agua, ya que el sonido folk minimalista del disco original encaja perfectamente con los perfiles y gustos de los participantes en este proyecto.

La banda australiana INXS dominaba por completo el mundo del rock en 1987 cuando lanzó su sexto disco de estudio llamado "Kick", y dónde se encuentran al menos 4 canciones que llegaron al primer lugar de los rankings mundiales, "Need you tonight", "Devil inside", "Never tear us apart" y "New sensation". Michael Hutchence y compañía metían a la licuadora sonora un poco de new wave, pop, dance y rock, y el resultado era más que sobresaliente. Años después la banda se vio forzada a desaparecer debido a la muerte accidental de Hutchence al tratar de hacer una práctica sexual que incluye asfixia auto infringida, pero con este disco quedaran para la posteridad en el panteón de la música del siglo pasado. Y es precisamente este el disco elegido por Beck y compinches para recrear en lo que fue cuarta entrega del año.

Y para terminar el año nos regalan (literalmente) "Yanni: Live at the Acropolis", una obra que en 1994 cautivo al mundo por su belleza y sensibilidad. Yanni grabó este disco precisamente en el Acrópolis y comandando a la Royal Philarmonic Orchestra de Londres y un coro de hermosas voces. Todas las composiciones interpretadas son de la autoría del mismo Yanni. Personalmente creo que esta ha sido la obra más difícil de rehacer para el club, ya que hacerlo en un solo día y sin una orquesta de apoyo, debió de haber sido un trabajo complicado, del cual salen muy bien librados y nos entregan las mismas piezas de Yanni pero tratadas de una manera diferente y llevadas al extremo de la belleza, de las cuales seguramente el propio músico griego daría su visto bueno.

Si llegaron hasta esta parte del texto les agradezco la atención y les dejo los links para que se descarguen cada uno de los discos antes reseñados.