La pasión de Rita

La pasión de Rita

Emilio Garza

Las redes sociales por internet son satanizadas por unos y adoradas por los más, pero no tengo la menor duda de que cumplen con un cometido que sólo ellas pueden lograr con tal claridad, conectar el pasado con el presente.

El viernes 11 de marzo estaba escuchando desde mi computadora La Noche W y fue entonces que Fernando Rivera Calderón dio la noticia del fallecimiento de Rita Guerrero. Me sentí mal y hasta puedo decir que me dolió, sobre todo por qué había seguido con atención vía facebook el desarrollo de la enfermedad de Rita, los homenajes y todos los mensajes de apoyo.

Esa misma noche decidí subir a mi muro el video de la canción Estando aquí no estoy, del concierto unplugged de 1997, después me fui a dormir junto a mi hija.

Al día siguiente varios de mis contactos habían puesto me gusta en el video, pero el que más llamó mi atención fue el de una prima-hermana de Guadalajara. Ahí quedó la cosa. En los días posteriores compartí algunos textos sobre Rita escritos (entrañablemente) por Rafael Tonatiuh y Adriana Díaz Enciso, y una vez más mi prima Laura le puso me gusta. Ahí quedó la cosa. Lo más que llegué a pensar fue que tal vez Santa Sabina le traía recuerdos de su juventud (es mayor que yo algunos años), y que chance le venía cierta nostalgia por un ex novio o por algún momento de su vida en particular. Ahí no quedó la cosa. Esta vez fui directo a su muro y me percaté que el sábado 12 a las 8:05 am había posteado el video Distante Instante de Santa Sabina (original de Rockdrigo González) acompañado de un texto que rezaba: “Amigos, se nos adelantó nuestra compañera, un hermoso recuerdo de su amistad. Descanse en paz la amiga, la artista, la mamá y la mujer, Rita Guerrero”.

Resulta que Laura fue compañera y amiga de Rita cuando iban a la primaria. Al enterarse de la noticia lo primero que hizo fue ponerse en contacto con otros ex compañeros para organizar una misa en dónde estuvieran presentes la mamá, hermanos y  parientes de Rita que viven en Guadalajara.

A continuación voy a reproducir íntegramente fragmentos de la cadena de mensajes que se escribieron los antes mencionados amigos de Rita, y dónde podemos descubrir pasajes y anécdotas de su infancia poco conocidas de la cantante.

“Rita significó mucho para mí, ella fue la solista en el coro cuando participamos en los concursos, cantó canciones que escribí. Ganamos los primeros lugares en algunos eventos y una vez salimos en televisión”

“El coro se inició con 4 elementos para un evento en la Parroquia (Yazmín, Judith (la güera), Eleonora y Rita).  De ahí surgió la idea del coro, el cual nació el 7 de Julio de 1974”.

“Vi a Rita antes de su enfermedad. Chapis, uno de mis hermanos y yo cantamos en la misa de Ana su hermana”.

“¿Recuerdas esa presentación del coro en el Mezanine? Teníamos canciones por separado; mis papas siempre que escuchan la canción El gato en la oscuridad, me dicen: la que cantabas en el coro.

“El coro fue fundado por la Sra. Rivera y su hija la Chapis junto con las hermanas de Rita, Raquel, Ana, Mago y mi hermana Hilda”.

“¡Cómo olvidarlo!, caminábamos todos los días de la Iglesia a la casa cargando las guitarras. Rita siempre con su cabello negro y de trencitas”.

“Ella junto con otras tres amigas fundó el coro del Templo de Santo Domingo Sabio y Santa María Goretti, cuando el templo estaba apenas en construcción. Rita siempre cautivaba con su voz dulce, suave, armoniosa a todo el que la escuchaba”.

“Rita cantaba en las misas de los niños; siempre acudía feliz, inquieta, con sus trenzas, de figura menuda y estatura pequeña, sus ojos oscuros y profundos y su guitarra.”

“La recuerdo claramente, cada que la maestra Olga salía del salón, Rita se paraba y junto a Chela hacían sus duetos.”

“Siempre estaba cantando, siempre inquieta y juguetona”.

“Cuando empezó el coro ella encontró lo que realmente le gustaba hacer. Se la pasaba corrigiendo al maestro, desde los tonos hasta la forma de cantar”.

“Todo empezó en ese templo, en ese pequeño y solitario lugar, ahí inició la carrera de la que después sería una gran artista, una mujer muy segura de lo que quería, que amaba lo que hacía y que por lo tanto lo reflejaba en cada canción, en cada movimiento, en cada momento”.

La única intención de este texto es compartir una etapa casi desconocida de la vida de Rita Guerrero, y que mejor manera que hacerlo con las propias palabras de sus amigos, que desde esa temprana edad ya se daban cuenta de la pasión y el amor de Rita por la música y el arte en general; esos amigos que después de más de 30 años siguen frecuentándose. Así que este es mi pequeño homenaje no sólo para Rita Guerrero, sino también para Laura Rivadeneyra, Conchita Casillas, Sergio Salcedo, Angélica Varela, Cony Picasso, Francisco Velázquez, Roberto Torres, Fabricio Soto, Jaime Solórzano, Juan Salazar, Abigail Rojas, Felipe Varela, Eleonora Orozco, Javier Muñoz, Eduardo Moncayo, Miguel Miramontes, Fermín Marín, Roberto González, Magda Domínguez, Rocío de la Cruz, José Centeno, Kleber Chávez, Aldo Cerda, Liliana Camarena, Graciela Ávila, Salomón Blake ,Adriana Martínez, Sergio Acosta, Martha Araceli, alumnos de la Escuela Primaria Urbana 219 Erviro R. Salazar Generación ’73-’76 (la escuela se inauguró en 1973).

Nombres impropios

Imagina el siguiente escenario: tú y unos amigos deciden formar una banda de rock, ensayan cientos de horas en tu cochera, empiezan a tocar en pequeños lugares hasta que un buen día una compañía discográfica los descubre y los firma para lanzar su primer disco, y de repente se dan cuenta que necesitan un buen nombre para su proyecto. Esto es muy común, y aquí les voy a mostrar ejemplos de cómo algunas bandas han escogido sus nombres y el significado que tienen.

Hay varias versiones sobre el origen de The Beatles pero ninguna definitiva. Se dice que Stuart Sutcliffe sugirió el nombre Beetles como una burla a la banda The Crickets de Buddy Holly. Otra versión asegura que fue por la película The Wild One (El Salvaje) de 1953 protagonizada por Marlon Brando, en dónde aparecía una pandilla de motociclistas llamada igualmente The Beetles; una más sugiere que fue por la combinación de la palabra beat, en alusión a la Generación Beat encabezada por Jack Kerouac, Allen Ginsberg y William Borroughs.

Se dice que el guitarrista de AC/DC, Angus Young, vio en una máquina de coser esas iníciales y se imaginó que era algo relacionado con electricidad; y pues no estaba muy equivocado, ya que en inglés significan Alternating Current/Direct Current. En sus inicios, la banda fue blanco de muchas burlas ya que en su natal Australia estas iníciales se usan como slang para referirse a los bisexuales. Según las buenas conciencias las letras en realidad significan Anti-Christ Devil’s Children.

El nombre de The Grateful Dead se refiere a una vieja leyenda inglesa que trata sobre un hombre que llega a un pueblo y observa como los habitantes de este se niegan a darle santa sepultura a un muertito por haber dejado muchas deudas económicas en vida, así que el forastero se ofrece a pagar el dinero en cuestión para que haya un funeral. Al día siguiente el susodicho sufre un accidente pero milagrosamente sale ileso, y se cuenta que quién lo salvó fue el espíritu del difunto agradecido. La banda originalmente se llamaba The Warlocks, pero tuvieron que cambiarlo al darse cuenta que ya existía otra banda con ese nombre.

Sabemos que una palabra separada letra por letra por puntos es un acrónimo, y cada una de ellas tiene un significado, pero la  banda de hard rock W.A.S.P. se ha dado vuelo con esas letras para crear diferentes juegos de palabras. Hay quién dice que significan White, Anglo-Saxon and Protestant, otros dicen que We Are Sexual Perverts y algunos más creen que es por We Are Satanic People, pero yo me quedo con la definición que dio el líder de la banda Blackie Lawless en una entrevista, We Ain’t Sure Pal. Otra cosa, estos cuates abusaron, ya que hasta tienen canciones en forma de acrónimos, L.O.V.E. Machine y 9.5 N.A.S.T.Y., lo que me lleva a pensar que no tienen ni idea de lo que son los acrónimos y solo piensan que se ven bien los puntitos entre las letras.

Se supone que la banda inglesa Chumbawamba tiene fuertes creencias anarquistas, son contestatarios y rebeldes, pero su nombre proviene de un sueño que tuvo el guitarrista en dónde quería entrar a un baño público pero en lugar de decir  Men /Women en las puertas decía Chumba / Wamba. Que ternura, pero no me imagino a Rage Against The Machine llamándose The Privilege Breasts.

Los nombres de animales son muy socorridos por los músicos para llamar así a sus bandas, pero Def Leppard fue un poco más allá, ya que  una vez el vocalista Joe Elliot dibujó un leopardo sin orejas y lo tituló Deaf Leopard, pero su ociosidad continuó e hizo unas modificaciones a las dos palabras y el resultado está a la vista desde 1977.

Estómagos débiles abstenerse de leer lo siguiente. Se dice que la banda de nü metal, Limp Bizkit, tomó su nombre de un ¿juego? común en las highschools gringas  dónde un grupo de pubertos se masturban en grupo formando un círculo frente a un panecillo  y el que eyacula al final tiene que comerse el panecillo en cuestión, es decir, un bísquet blando.

El nombre de The Doors surgió por una frase de William Blake, Duran Duran salió del personaje de villano de la película Barbarella con Jane Fonda, los nombres de Radiohead, Panic At The Disco y Rolling Stones provienen de canciones de Talking Heads, The Smiths y Muddy Waters respectivamente, etcétera; y así podríamos continuar todo el santo día pero me tengo que retirar para buscarle nombre a mi nueva banda de Psychobilly Texmex Progresivo, se aceptan sugerencias.

Andrés Calamaro en frases

1.    "La vida es una gran sala de espera, la otra es una caja de madera".

2.    "Quiero vivir 2 veces para poder olvidarte, quiero llevarte conmigo y no voy a ninguna parte”.

3.    "No sé que quiero, pero sé lo que no quiero, sé lo que no quiero, y no lo puedo evitar”.

4.    "Yo no quise lastimarte solamente te dije que no”.

5.    "Me gusta desarmarme arriba tuyo, me gusta demasiado ensuciarte”.

6.    "Es cuando la estupidez gana por afano a la suerte que nunca llega si la estamos esperando".

7.    "La vida es una cárcel con las puertas abiertas”.

8.    "¿Para que contar el tiempo que nos queda? ¿Para que contar el tiempo que se ha ido? Si vivir es un regalo y un presente”.

9.    "Siempre seguí la misma dirección, la difícil, la que usa el salmón”.

10. "Cuando empieza a amanecer la verdad es tan cruel y tú lo sabes, eres testigo, ahora soy un mendigo que camina por las calles pérdido”.

11. "Soy todo corazón y eso me hace mal, soy muy sensible a la belleza, por eso pierdo la cabeza con tanta facilidad, socio de la soledad".

12. "Es inmoral sentirse mal por haber querido tanto, debería estar prohibido haber vivido y no haber amado”.

13. "Aunque casi te confieso que también he sido un perro compañero, un perro ideal que aprendió a ladrar y a volver al hogar, para poder comer”.

14. "Sé que me equivoco muchas veces y sé que a veces tengo razón y otras veces fui culpable de una gran equivocación”.

15. "Iba para torero, cobarde y artista y me quede en un rincón neutral”.

16. "Estoy vencido porque el mundo me hizo así no puedo cambiar, soy el remedio sin receta y tu amor, mi enfermedad”.

17. “Es tarde, se hizo de día, menos que está nublado. Se acabo todo lo que había y queda un cigarro mojado”.

18. “Voy a pedirte no me nombres, para siempre no me nombres, por ese rato que es toda la vida”.

19. “Voy a tratar de vivir sin pasado, sin un clavo oxidado que tengo siempre clavado, voy a probar este vino del olvido, para embriagarme con él el resto de mi vida. Para vivir hacen falta muchas cosas, pero sobra lo que no existe más”.

20. “Qué finita es la frontera entre la angustia y la felicidad. Todo volverá a ser cómo era en algún momento y lugar. Me cago en todo, pero me cago en todo con amor”.

Cada que busco palabras para expresar mi sentir, tú ya las has escrito, cabrón.

Larga vida al St. Pauli: Los piratas del rock n' roll

Si les digo las palabras Saint Pauli tal vez no les evoque nada, pero si me conceden los próximos tres minutos de su atención les aseguro que ese nombre no les va a volver a pasar desapercibido, y mucho menos si son fanáticos del futbol y del rock.

Pues resulta que el FC Saint Pauli es un equipo de la liga alemana, mejor conocida como la Bundesliga. Hoy en día está en la primera división pero históricamente ha estado relegado a la segunda y hasta tercera categoría. Fue fundado en 1910 y se puede decir que deambulaba sin pena ni gloria hasta que en 1980 el club cambió de propietarios, quienes mudaron los campos de entrenamiento cerca de la famosa avenida Reeperbahn, cuna de la vida nocturna y la zona roja de Hamburgo. A principios de los años 60 Los Beatles conocían a la perfección esa avenida, ya que se la vivían entre el Star Club, el Kaiserkeller y el Top Ten tocando su rock n’ roll noche tras noche para después irse de juerga. De ahí la famosa frase de John Lennon, tal vez nacimos en Liverpool pero crecimos en Hamburgo.

Debido a esta nueva ubicación llena de sexo, drogas y rock, los ideales anarquistas, comunistas y socialistas por los que se inclina el club brotaron de manera natural. Sus seguidores adoptaron el clásico ícono de un cráneo y dos tibias atravesadas como escudo no oficial, y no por nada se les conoce como Die Freibeuter der liga (Los piratas de la liga). El St. Pauli fue el primer equipo de Alemania en prohibir los símbolos fascistas y las actividades nacionalistas en su estadio, en una época en que el fascismo era sinónimo de vandalismo. El club tiene recogido en sus estatutos su carácter antifascista, antirracista y antisexista. Otra curiosidad: el presidente del club, Corny Littmann, actor y empresario de teatro es abiertamente homosexual, algo totalmente tabú en un deporte tan varonil como el futbol. Se considera que un 5% de los hombres son gays, ¿cuántos futbolistas han reconocido su homosexualidad?, se les machacaría con burlas en todos los estadios, e incluso muchos compañeros de vestuario tendrían serios problemas. El St. Pauli es diferente, además el club prohíbe (aunque no sería necesario) hacer cánticos xenófobos, homófobos, etc.

En 1981 la media de asistencia al Millerntor Stadion era de 1600 aficionados mientras que para 1999 ese promedio aumentó a unos 20,000 espectadores por partido.

La cosa se puso difícil en 2001 al regresar a la segunda división y en su afán de no bajar de categoría nuevamente pusieron en marcha la campaña Retteraktion, la cual consistió en imprimir unas playeras con la foto del equipo y la leyenda Retter (salvador) y en tan sólo 6 semanas vendieron 140,000 piezas. La banda californiana de punk Bad Religion ofreció un concierto gratuito y jugó un partido contra las reservas del St. Pauli para recaudar fondos y sanear las finanzas del club. Otras bandas como KMFMD, Sisters of Mercy y Asian Dub Foundation también son confesos seguidores de este pintoresco equipo.

En 2006 el club fue anfitrión de la FIFI World Wild, un campeonato mundial de selecciones no reconocidas por la FIFA como Gibraltar, Groenlandia y el Tíbet, y ellos mismos participaron bajo el nombre de República de St. Pauli.

Actualmente el equipo marcha en la posición 12 de la liga, por delante de poderosos como el Stuttgart, el Wender Bremen y el Colonia, y como desde hace muchos años cada quince días antes de empezar sus juegos de local suena Hells Bells de AC/DC y después de cada gol las bocinas y las gargantas revientan para entonar Song 2 de Blur.

Buenos Aires se ve tan suceptible...

En 1988, Soda Stereo se encontraba en uno de los picos más altos de su carrera; su disco de estudio anterior Signos, los había llevado a recorrer exhaustivamente todo el continente  con un éxito arrollador, recién publicaban un disco en vivo (Ruido Blanco) y gozaban de total libertad creativa por parte de su disquera para su siguiente proyecto.

A principios de año Charlie Alberti, Zeta Bosio y Gustavo Cerati tenían tres cosas muy claras: el nuevo disco se grabaría en Nueva York, lo produciría Carlos Alomar (guitarrista de David Bowie, Bryan Ferry, etc.) y se llamaría Doble Vida. Y el título no pudo ser mejor, ya que en verdad la banda vivía entre el amor y la añoranza por su Buenos Aires querida y el deslumbramiento por la ciudad de los Yankees y los Jets. El videoclip del primer corte La ciudad de la furia es un claro ejemplo de eso. Tomas aéreas de Buenos Aires desde un helicóptero y escenas desde el Hotel Sheraton, filmado en formato de cine, con una superproducción fuera de la época y con el mismo blanco y negro y un ligero tono violáceo de la portada del álbum.  Tanto el video como el arte del disco fueron obra de Alfredo Lois, compañero de universidad de Gustavo y considerado como el cuarto Soda, ya que hasta el día su muerte estuvo a cargo de todo lo relacionado con la imagen de los argentinos.

La fotografía de la portada, responsabilidad de Daniel Ackerman, está tomada en el céntrico cruce de las calles Diagonal Sur, Bartolomé Mitre y Bolívar, a unos cuantos pasos de la mítica Plaza de Mayo.

En fin, Doble Vida es un álbum contradictoriamente neoyorquino, con imagen porteña y que le dio a Buenos Aires su mote más reciente, La ciudad de la furia.

Hermosa maquina de odio

La primera vez que tuve conocimiento de Nine Inch Nails fue 1992 cuando tenía escasos 13 años.  Recuerdo que recién teníamos sistema de televisión por cable en mi casa, y uno de mis canales favoritos era MTV americano, ya que el MTV Latino no apareció sino hasta finales de 1993. La mayoría de las bandas que aparecían me resultaban desconocidas, realmente solo esperaba  ver continuamente videos de Guns n’ Roses y de Nirvana, mis bandas favoritas a esa edad; y uno de esos días apareció un video que me voló la tapa de los sesos, se trataba de Head like a hole. Tengo que decirles que a esa edad el concepto que yo tenía de rock era muy limitado, y mi cabecita únicamente concebía tipos greñudos y solos de guitarra, y por supuesto que no tenía ni puta idea de lo que era el rock industrial; y escuchar a Trent Reznor y compañía fue como encontrar un oasis, fue darme cuenta que el rock era mucho pero mucho más que Axl Rose y Kurt Cobain, entendí que en el rock se valía todo y era una fuente inagotable de propuestas.

La canción empieza con un corito súper pegajoso en off que lo pudo haber firmado sin pedos Erasure o Depeche Mode, "Bow down before the one you serve, you're going to get what you deserve"; después continua una bateria con la misma tendencia bailable y entra una voz cantando "God money, I'll do anything for you, God money, just tell me what you want me to"; por esos días mi entendimiento del inglés era pobre, pero no necesité en absoluto saber de que hablaba la canción, me bastó la inconfundible voz de Reznor para entender la angustia que había en ella. En el momento que  la rola llega al coro "Head like a hole, black as your soul, I'd rather die than give you control", es cuando nos damos cuenta del punch que tiene la banda, las guitarras se tornan estridentes y  los primeros gritos salen de la garganta del oriundo de Cleveland.

La rola en mención es parte del Pretty Hate Machine de 1989, disco debut de Nine Inch Nails y que fue escrito, producido y performeado en su totalidad por Trent Reznor.  En la producción también participaron Adrian Sherwood y Flood, incondicionales de la banda por mucho tiempo.

Aunque tardó en cuajar, el álbum fue bien recibido por la crítica, y la banda fungió como teloneros en las giras por Estados Unidos de Peter Murphy y  The Jesus and Mary Chain, y por Europa formó parte de la gira de Guns n’ Roses. El editor de la Rolling Stone Michael Azerrad describió el disco como “un fuerte ruido industrial sobre un perfecto marco pop”, mientras que Trent Reznor decía de su obra, “es una declaración sincera de lo que pasaba en mi cabeza por esos días”. Pretty Hate Machine estuvo 113 semanas en el Billboard 200 y fue uno de los primero discos indies en alcanzar la certificación platino. Otros sencillos del disco fueron Sin y Down In It.

En 1992 la banda lanza Broken, un EP con 6 canciones y 2 bonus tracks. Curiosamente 2 canciones incluidas en este disco le dieron sus 2 únicos premios grammy, Happiness In Slavery y Wish; ese mismo año entra al estudio para producir lo que es hasta la fecha su obra más laureada The Downward Spiral, pero esa es otra historia...

10: el disco perfecto de Pearl Jam

Este año se cumplen 20 años del lanzamiento de cuatro de los discos más importantes y por demás influyentes en la historia del rock: Use Your Illusion de Guns n’ Roses, Nevermind de Nirvana, Ten de Pearl Jam y Metallica (Black Album) de Metallica. A cada uno le vamos a dar su espacio y hoy vamos a comenzar con el disco debut de Eddie Vedder y compañía.

Es 1990 y el guitarrista Stone Gossard y el bajista Jeff Ament, viejos conocidos de la escena rockera de Seattle, se encuentran en la búsqueda de un nuevo proyecto, después de la muerte por sobredosis de Andew Wood, vocalista de su ex banda Mother Love Bone. Se juntan con Mike McCready para trabajar con unos demos que servirán para buscar un vocalista y un baterista. Por azares del destino estos demos llegan a San Diego y más específicamente a manos de Eddie Vedder, quién al día siguiente escribe la letra de cuatro de las canciones del demo y lo envía de vuelta a Seattle. A la brevedad recibe una invitación para una audición y el resto es historia como diría doña chonita.

Tiempo después reclutan a Dave Krusen para la batería y la primer formación de Pearl Jam queda lista, pero bajo el nombre de Mookie Blaylock, habilidoso jugador de básquetbol de los Atlanta Hawks. Los ensayos comienzan a dar fruto y 11 canciones son presentadas ante ejecutivos de EPIC Records quienes los firman para lanzar su primera placa.

Las letras de Ten son oscuras y tratan temas como la soledad, el suicidio, el asesinato y la depresión.  Even Flow habla de la gente que no tiene hogar, vagabundos, los sin techo. Sobre Alive, Vedder ha dicho que la canción trata la historia semibiográfica de un hijo que descubre que su padre es, en realidad, su padrastro (habiendo fallecido su padre hacía mucho) mientras su madre lidia el dolor manteniendo una relación sexual con el hijo debido al parecido físico con su padre biológico.

La historia de Jeremy es la historia más conocida, un estudiante (Jeremy Wade Dalle) se pega un tiro frente a sus compañeros de clase por problemas existenciales. Los demás temas Once, Black, Release, Why Go, Porch, Garden, Oceans y Deep no tienen desperdicio alguno.

Ten (el nombre es tomado del numero de jersey de Mookie Blaylock) no tuvo un buen recibimiento inmediato, y fue hasta mediados de 1992 que empezó a despuntar, pero una vez en el mainstream, superó en ventas hasta el Nevermind de Nirvana.

Como curiosidad, las canciones Yellow Ledbetter y State Of Love And Trust quedaron fuera del disco, y solo fueron incluidos en soundtracks o como Lado B  de algún sencillo, y aún así son dos himnos imprescindibles para los fanáticos de la banda (incluido él que escribe esto).

La banda sigue en pie de guerra y al pasar de los años nos han regalado otras obras de gran calidad, pero ninguna ha tenido el impacto de Ten. En 2009 salió una edición deluxe con tomas alternas y nuevas mezclas.

I hate myself and want to die

De esa manera tan cruda y directa quería Kurt Cobain nombrar el cuarto disco de estudio de Nirvana, pero su disquera Geffen no lo aprobó, y terminó llamándose In Utero, un título no menos provocativo...

Soy un gran fan de la banda desde que los conocí en los muy early 90's, y el que se encargó de presentármelos fue Marco, uno de mis dos mejores amigos de la infancia (el otro es Gustavo); un día de 1992 escuché Smells like teen spirit y mi cabeza explotó y nunca ha vuelto a ser la misma; esa mezcla de estruendo y melodía fue tan nuevo para mis oídos que los hechizó; la voz desgarrada de Kurt, el bajo exacto de Chris y la bateria ametrallante de Dave han vivido conmigo desde entonces.

 Aún con todo lo que representa Smells like... y el Nevermind, mi disco favorito de los de Seattle es In Utero, y mis razones son estas:

 * El disco arranca con Serve the servants, canción autobiográfica  y con una frase inicial que engloba lo que fue el fenómeno de Nirvana y la forma en que Kurt lo veía: "teenage angst has paid off well but now I’m bored and old...".

 * Scentless apprentice, tributo al libro El perfume del alemán Patrick Suskind, que trata de un fabricante de perfumes que asesina vírgenes para sus fragancias.

 * Heart-shaped box fue escrita pensando en los niños con cáncer, según palabras del propio Cobain; el video de Anton Corbijn es una verdadera joya visual.

 * Rape me es un breve poema de justicia, un tipo viola a una chica, es atrapado y termina siendo violado en la cárcel. Las buenas consciencias la entendieron como una apología a la violación y Wal-Mart no vendió el disco en sus tiendas.

 * Frances Farmer will have her revenge in Seattle, es una obra maestra. Basada en la historia de Frances Farmer  una actriz oriunda de Seattle, quien fue acusada, entre otras cosas, de ser comunista, atea y alcohólica, y fue declarada legalmente demente debido a una esquizofrenia paranoica y depresión en 1944, y fue recluida en un hospital psiquiátrico. Se dice que Kurt comparaba su vida con la de Frances Farmer y él estaba dispuesto a vengarla (hipotéticamente, obvio). La hija de Kurt y Courtney se llama Frances Bean. "I miss the comfort in being sad...", otra frase contundente que muestra la presión mediática que vivía la banda en esos días.

 * Ignorancia = Felicidad, así de lapidaria es Dumb.

 * Very ape, es un ataque al esterotipo del macho man, "I am buried up to my neck in contradictionary lies, I take pride as the kind of illiterature. I'm very ape and very nice...".

 * Milk it, las constantes referencias médicas en la letra nos muestran el dolor (físico) que aquejaba a Kurt y que sólo la heroína le quitaba.

 * Pennyroyal Tea es una sustancia que hace abortar a las embarazadas, y la letra nos habla de el tomar decisiones y la culpabilidad que viene tras esas decisiones tomadas.

 * Radio friendly unit shifter, una auto-burla, sobre todo a Smells like teen spirit y su sonido puramente radialmente amigable.

 * Tourette's, no tiene letra, Kurt simplemente grita, haciéndole honor al Síndrome de Tourette, un trastorno neurológico que se caracteriza por constantes tics y decir groserías sin sentido.

 * All apologies para mi gusto es una de las canciones más hermosas jamás escritas, una especie de carta de despedida para Courtney, Frances y todos los seguidores de la banda...

 * Gallons of rubbing alcohol flow through the strip, es un jam sin pies ni cabeza incluido como track oculto en el disco, comienza 23 minutos y 59 segundos después de que concluye All apologies.

 ...I hate myself and want to die, finalmente no fue una idea desechada, ya que fue donada por la banda para el disco The Beavis and Butt-Head Experience de 1993; varios años después Noel Gallagher (fan declarado de Nirvana) dijo en una entrevista que se había inspirado en esta canción para componer Live Forever, uno de los grandes himnos de Oasis.

Los Beatles mexicanos...

Hagamos un ejercicio de memorama.


Si les digo el nombre de Carlos Monsiváis lo primero que se viene a su mente es...escritor y crítico. Muy bien. Y si les digo, José Luis Cuevas, ustedes piensan...escultor, grabador y pintor. Perfect! Ahora cuando pronuncio el nombre de  Alfonso Arau, ustedes dicen...director de cine, famoso por Como Agua Para Chocolate. Sublime su inteligencia. Son ustedes unas verdaderas pistolas del conocimiento, pero lo que tal vez no sepan es que allá por los 60's, estos 4 personajes tenían un grupo de rock llamado The Tepetatles, sí señor, un grupo de rock!


Corría el año de 1965 y los arriba citados tuvieron la idea de hacer un chou cómico-mágico-musical para presentarlo como espectáculo en un cabaret dirigido por Ernesto Alonso. Monsiváis estaba a cargo de las letras, José Luis Cuevas del diseño gráfico y Arau de la parte musical junto a otros colegas. Y de todo esto salió un disco llamado igual que el espectáculo: "Triunfo y aplastamiento del mundo moderno con gran riesgo de Arau y mucho ruido", el cual puede ser considerado como el primer álbum indie en México.

Los títulos de las canciones nos dan una idea de lo que se trata, "Tlalocman", "Teotihuacán a go go", "Sniff Sniff Gulp Gulp", "Rockturno", musicalización al poema Nocturno (A Rosario) de Manuel Acuña, etc.


En fin, no hay palabras que alcancen para describir esta chuluda, así que mejor les dejo el link para que lo descarguen y juzguen por sus propios oídos.

The Tepetatles

Tom Petty: American Boy

Sin lugar a las dudas, Tom Petty es uno de los grandes cronistas del american way of life; así mismo es imposible concebir la americanidad (¿?) (mas no el americanismo, ni Dios lo mande), sin tener como soundtrack temas de este oriundo de Florida.

Inició su carrera junto a sus fieles acompañantes, The Heartbreakers, en 1976 con un disco homónimo que no tuvo gran relevancia. Dos años después You're Gonna Get It! sentó las bases del sonido Pettyesco y produjo sencillos exitosos como Listen To Her Heart y I Need To Know. Después de una agotadora disputa legal con su disquera, MCA Records, Petty lanzó Damn The Torpedoes en 1978 con la rola Refugee como punta de lanza y por primera vez la banda se convirtió en triple platino. Le siguieron discos un poco intrascendentes como Hard Promises de 1981 y Long After Dark 1982, para llegar a la consolidación total en 1985 con Southern Accents, disco producido por Dave Stewart (Eurythmics) y que contiene Don't Come Around Here No More (¿recuerdan el video a la Alice in Wonderland?). A partir de este momento Tom llega a las grandes ligas del rock & roll y es invitado a participar junto a George Harrison, Bob Dylan y Roy Orbison (nada más!!) para hacer el proyecto The Traveling Willburys.

Entre 1989 y 1991 Petty ligó sus dos mejores discos, Full Moon Fever e Into The Great Wide Open; el primero contenía hits como Won't Back Down, Free Fallin' y Runnin' Down A Dream; mientras que el segundo nos deleitaba con Learning To Fly y la misma Into The Great Wide Open (con todo y video protagonizado por un chaval llamado Johnny Depp). El boom de MTV sirvió para que Petty llegará a las nuevas generaciones y fue tal el impacto que en años consecutivos gano premios al mejor video masculino, primero por Mary Jane's Last Dance (incluida en su Greatest Hits de 1993, y con su video junto a Kim Basinger) y después por You Don't Know How It Feels (del disco country folk Wildflowers de  1994).


Hoy amanecí con la tonadita de Mary Jane´s Last Dance, así que aquí les dejo su  Greatest Hits  en decarga.